En 2009, je faisais des recherches sur Flávio de Carvalho, le plus anarchique et le plus radical des artistes modernistes brésiliens, lorsque je suis tombé sur une mine de matériel : la transcription de toutes les chroniques que l’artiste a écrites sur sa théorie de la mode, qui a culminé avec son Expérience n.3, ou le Nouveau look d’été : il a créé une tenue adaptée aux hommes tropicaux, qui comprenait un jupon, et l’a fait défiler dans les rues de São Paulo au milieu des années 1950, ce qui a provoqué un scandale. Ravi de cette découverte, j’ai pris contact avec sa famille et j’ai autorisé la publication du livre. Le choix du titre a été difficile : les chroniques s’intitulaient « La mode et l’homme nouveau », mais l’auteur souhaitait les retravailler et les publier sous un nouveau titre, « Dialectique de la mode ». Comme cette adaptation n’a pas été réalisée, mais seulement prévue, nous avons jugé plus approprié d’utiliser le titre original. Outre les chroniques, nous avons inclus dans le livre une conférence donnée par Flávio de Carvalho au séminaire de Tropicologie organisé par Gilberto Freyre à Recife en 1967, que nous reproduisons ici. [Sergio Cohn]
Je vais tout d’abord aborder le problème des mutations de la mode au cours de l’histoire. Il s’agit d’un problème compliqué et délicat, que je devrai naturellement aborder de manière synthétique, car il est le résultat d’une étude qui a déjà été publiée dans des journaux et qui sera publiée dans un livre qui comptera plus ou moins 1160 pages. Dans un laps de temps très court, je n’ai pu traiter le sujet que de manière extrêmement abrégée.
Je suis arrivé à la conclusion que deux facteurs fondamentaux ont guidé l’évolution de la mode au cours de l’histoire. En étudiant la mode dans l’histoire, je suis arrivé à la conclusion suivante : premièrement, nous avons une manifestation curviligne fructueuse qui se répète constamment dans l’histoire. Elle se présente sous forme de courbes et rejette totalement la ligne droite. C’est une manifestation sensuelle et évidemment féconde. Je dis féconde parce qu’elle est propice aux événements de l’histoire dans lesquels la fécondation est impliquée. L’autre forme fondamentale est celle des droites parallèles, que j’appelle antifécondantes. Ces formes droites parallèles antifécondantes apparaissent périodiquement dans les manifestations esthétiques des groupes humains, dans l’architecture, la sculpture, la peinture et surtout dans la présentation des traits à la mode.
Un autre phénomène important que je crois avoir découvert au cours de mes recherches est la manière dont les mutations se produisent dans l’histoire, au sein des classes hiérarchiques qui composent la société. Après avoir étudié différents phénomènes, j’en suis arrivé à la conclusion, que je crois correcte, que les modes changent à travers les différentes couches hiérarchiques de la société, de bas en haut, en commençant par une couche hiérarchique inférieure, en progressant à travers les différentes couches et en atteignant la partie de la hiérarchie sociale dominante qui est généralement le roi, la cour, les nobles qui composent la cour et les dignitaires de l’armée et du clergé. Il y a toujours ce phénomène important. Lorsque des mutations ont lieu, elles remontent la hiérarchie sociale depuis le bas de l’échelle. Je répète que c’est une chose importante, peut-être que je me trompe, je ne sais pas.
Pour illustrer ce que je viens de dire, je vais juste citer quelques données de l’histoire, dont certaines sont généralement connues du public. Commençons par la civilisation mycénienne, qui s’est déroulée entre 1000 et 600 avant J.-C. et a duré jusqu’à 1200 avant J.-C. Il y a très peu d’archéologie de cette époque. L’archéologie de cette civilisation est très peu développée et les vestiges qui subsistent sont difficiles à trouver. Cependant, ce qui existe est principalement de l’architecture et de la sculpture, et montre que cette civilisation mycénienne peut être considérée comme une civilisation curviligne féconde. Elle était constituée exclusivement de spirales, de formes végétales curvilignes toujours répétées. Cette civilisation, détruite par l’invasion de peuples barbares venus du nord qui n’ont rien laissé derrière eux, a presque entièrement disparu. Il n’en reste que de rares traces. A la suite de cette civilisation, nous en trouvons une autre qui présente l’exact opposé de la féconde manifestation curviligne. Il s’agit de la civilisation du « dipylon géométrique » qui s’est déroulée entre 1200 et 900 ans avant Jésus-Christ. Le style « dipylon géométrique » présente des formes géométriques. C’est une civilisation qui adopte des lignes parallèles anti-inondation. C’est là qu’apparaît le fameux style dorique, qui deviendra si important dans les études architecturales. C’est le début de l’histoire grecque. Homère apparaît, chantant l’Iliade. C’est une civilisation du deuil et de la tristesse. Les formes droites parallèles anti-inondation sont associées au deuil et à la tristesse et c’est précisément cette civilisation qui vient d’une période de destruction, de rasage de la civilisation mycénienne-minoenne, donc cette classification de deuil et de tristesse est tout à fait justifiée.
Il y a ensuite la civilisation archaïque, qui s’est déroulée entre 900 et 600 ans avant Jésus-Christ. La civilisation archaïque voit réapparaître des formes curvilignes fécondes, qui sont précisément l’antithèse de la civilisation du « dipylon géométrique » de style dorique qui l’a précédée. Nous rencontrons ensuite les célèbres statues de Tegeo. Des femmes apparaissent portant un vêtement très important dont on pensait jusqu’à récemment qu’il était apparu au XVIe siècle. Ce vêtement n’a pas vu le jour au XVIe siècle, mais l’histoire montre qu’il est apparu dans les neuf cents ans qui ont précédé le Christ. Il s’agit de la verdugada et de la crinoline. La verdure et la crinoline apparaissent précisément dans les sculptures de Tegeo, dans la civilisation archaïque. Il s’agit de formes curvilignes dans lesquelles les femmes apparaissent vêtues de verdugades, qui sont des protubérances latérales sur les hanches. Ces femmes portaient des vêtements très lourds et richement ornés. Mais les vêtements portés sont les mêmes que ceux qui réapparaissent au XVIe siècle avec la mode espagnole. Ces vêtements devaient être extrêmement lourds, mais il n’y a pas de données précises à ce sujet, ni dans la littérature, ni dans l’ethnographie. Il n’y a pas de données précises sur le poids de ce vêtement. Mais d’après l’aspect des statuettes, on peut conclure que le vêtement devait peser au moins quatre-vingts kilos en costume complet, qu’il s’agisse du vêtement espagnol du XVIe siècle ou du vêtement porté 900 ans avant Jésus-Christ. La femme aristocratique portait sur elle un vêtement qui pouvait peser jusqu’à quatre-vingts kilos ! Il s’agit d’une supposition, mais il faut noter au passage que les vêtements trouvés au XVIe siècle pesaient jusqu’à cent kilos.
En partant de la Grèce antique, nous trouvons des phénomènes très importants qui se sont étendus à l’Empire romain, en pleine évolution à l’époque. La Grèce était alors le centre de la mode mondiale. Six cents ans, neuf cents ans avant Jésus-Christ, la Grèce dictait la mode à Rome et autour de la Méditerranée. Tous les parfums, tous les onguents, toutes les pommades portaient des noms grecs, comme les parfums actuels portent des noms français, parce que la Grèce était le centre de la mode. La femme grecque s’habillait avec soin et portait à l’époque des vêtements que les femmes portent encore aujourd’hui. La femme grecque portait une ceinture appelée « ceinture de Vénus », en bronze ou en fer, qui avait pour fonction d’affiner la taille et de souligner les protubérances des hanches. Elle portait la Toenia directement sur les seins, un gilet qui maintenait les seins droits. Par-dessus la robe, la femme grecque portait une sorte de soutien-gorge, le Strophion, en tissu d’or et orné de pierres précieuses. Pour le ventre, la Zona, une gaine pour faciliter la marche. On voit donc que la femme grecque était une femme très sophistiquée et qu’elle utilisait les mêmes gadgets que nous. Elle portait sous le bras un dispositif, l’Anamacalisteron, destiné à absorber la sueur pour qu’elle ne tache pas sa robe. Elles portaient sur le ventre une gaine qui correspond à la gaine que les femmes portent aujourd’hui dans le même but. Au fil des siècles, tous ces gadgets ont eu la même fonction.
Ce sur quoi je voudrais attirer l’attention des membres de ce séminaire, c’est sur le fait qu’à la civilisation archaïque curviligne fécondante a succédé, dans l’Empire romain, une civilisation rectiligne parallèle antifécondante à haut contenu. Tous les vêtements de l’Empire romain, du début à la fin, sont des vêtements que l’on peut qualifier de droits parallèles antifécondants. Dans le vêtement droit-parallèle-antifécondant, la taille de la femme remonte. Elle se situe en dessous des seins, alors que dans le vêtement fécondant curviligne, la taille est basse et se situe au niveau des hanches. C’est un phénomène que toute l’histoire de l’habillement enregistre très clairement.
L’Empire romain a été une période de luttes, de guerres, de sang et de grandes conquêtes. La position droite et parallèle anti-inondation correspondait au deuil provoqué par les grandes guerres de conquête, dont Jules César fut le plus grand représentant. Après la chute de l’Empire romain, nous entrons dans le Moyen Âge, les septième, huitième siècles, etc. Ce Moyen Âge est extrêmement intéressant, car nous y voyons des phénomènes sartoriaux liés à des catastrophes sociales. Les vêtements droits et parallèles sont restés droits et parallèles jusqu’aux douzième, treizième et quatorzième siècles. Or, à l’aube du XIIe siècle, une série de soulèvements communistes éclate dans les provinces allemandes, les paysans prônant une égalité qu’ils estiment être préconisée par la Bible. Ces guerres durent longtemps. Pendant les guerres communistes-religieuses, on constate que les habitants des provinces allemandes errent dans les forêts, affamés, en haillons, pieds nus et malades, se nourrissant de racines d’arbres. Les princes de ces provinces ont organisé des armées de mercenaires qui ont pu réprimer à temps les grands soulèvements communistes de l’époque. C’est à cette époque que l’on a découvert une pièce de vêtement importante. En Allemagne même, les troupes de mercenaires portaient des tenues très courtes. Il s’agissait d’un costume composé de coupes. Il y avait des centaines de coupes. Les tissus étaient déjà vendus dans les foires avec les découpes, certains avec 1 500 découpes. C’était un vêtement extrêmement cher. Les mercenaires payés par les princes copiaient les vêtements des paysans en haillons qui erraient dans la forêt. Les vêtements en loques sont passés des soldats mercenaires aux officiers, puis aux étudiants et à la noblesse. Un chroniqueur social de l’époque, Conrad Pelicanus, a remarqué cet étrange accoutrement en l’an 1400. L’adoption de vêtements en haillons par l’aristocratie montre comment la mode évolue dans l’histoire. Elle naît des hommes les plus humbles, des hommes qui ont le plus souffert, des hommes en haillons, affamés, malades et mourants, puis elle passe aux soldats, aux officiers de la garde, aux étudiants de l’université de Thuringe et enfin à l’aristocratie et au roi. C’est presque toujours l’évolution des modes vestimentaires que l’on retrouve au Moyen Âge aux 12e, 13e et 14e siècles.
Autre phénomène important au Moyen Âge, également constaté au XIVe siècle : les femmes portaient un rembourrage placé sur le ventre, donnant l’impression d’être enceintes en permanence. En même temps, elles portaient des manches longues qui tombaient jusqu’au sol et une longue queue. Il s’agissait d’une situation de deuil pour les événements en cours, car les guerres avec les paysans auraient fait deux à trois cent mille morts : un chiffre assez élevé, compte tenu de la faible population de l’Europe centrale à cette époque. La femme se présente ainsi avec le ventre qui dépasse, avec des queues sur ses manches, avec des queues qui sortent de son chapeau et qui traînent sur le sol. C’est une grande expression de deuil et de tristesse face au nombre de morts causé par les révolutions communistes de l’époque. Il s’agit d’un style parallèle droit avec une taille haute sous les seins. Après la mode de la fente ventrale est venue la mode espagnole des « verdugadas ». Les femmes se présentent au monde comme des fleurs sur le point d’être fécondées. C’est un rayon de soleil venu d’Espagne. Ce sont Velasquez, Calderón de la Barca et Murilo Cervantes qui sont apparus sur la scène de l’intelligence. La mode des Verdugadas et des Crinolinas dure un certain temps.
Avec la Révolution française, qui débute en 1794, la mode se transforme complètement. Paris devient le centre de la mode, et non plus Madrid. La mode des courbes fruitées de la verdure disparaît. On revient aux lignes parallèles anti-fécondantes. La Révolution française avait coupé la tête de vingt à trente mille aristocrates – il n’y a pas de statistiques sûres à ce sujet – ce qui avait déjà été prononcé par l’usage du gorget espagnol au XVIe siècle, et le règne de la terreur provoqua une situation de deuil, de douleur et de souffrance dans toute l’Europe. En 1797, les « merveilleuses » apparaissent avec de longues queues. Des queues d’une grande importance dans la nouvelle mode – car la queue était un symbole de deuil, le deuil du sang versé par la révolution. Avec l’avènement de Napoléon Ier, le deuil se poursuit. Ce n’était pas vraiment le « règne de la terreur », mais une autre édition de la terreur : la terreur impérialiste. Napoléon Ier, en conquérant le monde connu de l’époque, avec de grandes effusions de sang et de grandes souffrances pour tous, se présente au monde avec une mode de robes droites parallèles à taille haute, la taille sous les seins. Lorsque la mode des droites parallèles est apparue dans l’histoire de l’habillement, la taille était toujours en dessous des seins. Lorsque la mode des courbes est apparue, la taille se situait sur les hanches.
Napoléon Ier a continué à porter des queues. La queue se retrouve aussi bien chez les femmes que chez les hommes, et cette queue, sur les vestes, s’étend jusqu’au Directoire et se retrouve sur les costumes des grandes cérémonies de l’Empire. Napoléon exige que toutes les demoiselles d’honneur de l’impératrice Joséphine portent une longue queue. Il ne se sentait pas à l’aise lorsque les demoiselles d’honneur ne portaient pas de longues queues, et la plus longue de toutes était celle de l’impératrice. On raconte que la « queue de l’impératrice » mesurait 12 mètres de long. C’était la plus longue queue de toute la cour de Napoléon Ier. Cette situation perdura jusqu’à la chute de Napoléon Ier.
Avec Napoléon III, une nouvelle mythologie sexuelle émerge en Europe. Victor Hugo, Liszt, Paganini, Rossini, George Sand apparaissent et toutes les femmes se mettent à porter des crinolines. La queue disparaît. La joie revient dans le monde : y compris la joie sexuelle, la taille qui se trouvait sous les seins descend sur les hanches. Les hommes portent des tailles fines. Les femmes portent des tailles fines, des gilets serrés avec des ailerons en fer. Certains hommes aussi. Les femmes portent aussi de faux seins énormes et de fausses hanches. Il est même de bon ton pour les officiers de la cavalerie française d’arborer de larges hanches.
Cette mode perdure jusqu’en 1870, et après le désastre de 1870, la mode change, la joie fructueuse des courbes de la mode de la crinoline disparaît et la mode des droites parallèles, des longues queues, à nouveau la mode triste et endeuillée, émerge. Elle pleurait la chute de l’Empire, la défaite de l’Empire. Cette nouvelle mode se poursuit jusqu’en 1908, avec des formes droites parallèles.
En 1850, les femmes cherchaient déjà à réformer en profondeur leur statut social. On voit Madame Elumel se promener à New York, vêtue d’un pantalon et d’une sorte de jupon par-dessus son pantalon, et fumant un gros cigare. En 1910, Madame Paquin introduit la jupe-culotte à Paris. Ce phénomène de nivellement vestimentaire entre l’homme et la femme est déjà bien établi. Les femmes essaient de s’habiller comme les hommes. Et en 1910, à Paris, elle porte une jupe-culotte, une veste, sur une chemise avec une cravate et un grand chapeau. Cette mode de la jupe-culotte fait débat partout, y compris dans le clergé : les évêques allemands protestent avec véhémence contre Madame Paquin et la mode de la jupe-culotte. Et Madame Paquin de clore le sujet en déclarant qu’elle avait lancé cette mode pour permettre aux femmes de faire plus facilement les mouvements nécessaires à la vie moderne et pour leur permettre de danser le tango avec plus d’aisance. Les discussions sont closes et les évêques allemands ne remettent plus en cause et acceptent les réformes de Madame Paquin.
De 1910 à nos jours, la réforme vestimentaire s’est faite dans le sens d’un parallélisme anti-inondation, montrant une situation de deuil, surtout pour les catastrophes à venir. Il y a beaucoup d’observations que j’aimerais faire, mais je ferais mieux de passer aux diapositives. La deuxième partie de mon intervention portera sur l’habillement sous les tropiques. En parcourant les diapositives, je pourrais expliquer quelque chose de plus.
Avant cela, j’aimerais dire quelques mots sur la traîne, car je n’en ai pas assez parlé. La traîne de la robe et les implications qu’elle a eues à travers l’histoire sont très importantes.
La traîne apparaît dès les premières étapes de l’histoire. Dans la mythologie, le dieu Thor porte une queue de lion. Au XIe siècle, le grammairien Julis Polux recommandait la queue pour les funérailles. En 1176, le pape Alexandre III se querelle avec le doge de Venise parce que celui-ci veut porter une queue plus longue que la sienne. Le pape interdit au doge de Venise de porter une queue plus longue que la sienne. Mais le doge avait une armée plus importante que celle d’Alexandre III et le pape accepta finalement que le doge de Venise porte une queue aussi longue que sa propre queue papale.
En 1324, le concile de Tolède interdit au clergé de porter une queue. En 1431, le pape Eugène IV a déclaré qu’il ne donnerait l’absolution que si la personne portant une queue le faisait « sans mauvaise intention ». C’est très intéressant ; j’aimerais savoir comment le pape Eugenius IV s’y prendrait pour connaître les bonnes ou mauvaises intentions d’une personne portant une queue. C’est très curieux.
En 1509 (à l’époque du Titien), le Sénat vénitien a interdit l’usage de la queue. Personne ne pouvait plus porter de queue. Au XVIIIe siècle, l’un des papes a refusé l’absolution à toute personne portant une queue. Par la suite, il y a eu d’autres discussions sur le sujet.
Je voulais attirer l’attention sur le fait que la queue apparaît toujours dans l’histoire comme un vêtement de tristesse et de deuil, quelque chose d’anti-sexuel et d’anti-greed. À propos de queue animale, il convient de noter au passage que lorsqu’une jument est en chaleur, elle soulève sa queue et que lorsqu’elle n’est pas en chaleur, elle la serre de telle sorte qu’aucune force humaine ne peut la soulever.
Voyons maintenant les diapositives [Le conférencier commence à montrer des diapositives pour illustrer son travail. Les extraits suivants font référence aux diapositives].
Nous voyons ici les gorges espagnoles apparues au XVIe siècle, qui préfigurent déjà la grande catastrophe de la Révolution française. Les têtes sont séparées du corps, comme le furent le règne de la terreur et la guillotine.
Ensuite, nous avons le style dorique, qui nous montre les lignes parallèles du style dorique de 1600 à 900 ans avant Jésus-Christ.
Nous avons maintenant les formes curvilignes fructueuses de la verdure et des crinolines. Il s’agit de crinolines des XVIe et XVIIe siècles et de la civilisation archaïque de 900 ans avant Jésus-Christ.
Nous avons ici des images d’Égyptiens. Une dame égyptienne parfumée et soignée par une sorte de coiffeur de l’époque.
Voici un héros grec portant un « chlamydion », qui est bien sûr rouge, la couleur des héros de tous les temps.
Nous sommes au milieu du Moyen-Âge et nous voyons déjà la fin des formes droites et parallèles et le début des formes curvilignes fructueuses. Ci-dessous, à droite, nous voyons un homme et une femme portant la même tenue. Ils apparaissent à plusieurs reprises dans l’histoire. Au début de Rome, les hommes et les femmes portaient la même toge sur leur corps nu.
Ici, un guerrier de la rivière Araguaia, où je me trouvais il y a quelques années, porte un vêtement en peau de jaguar. Il ne porte pas une peau de jaguar. Il a une peau de jaguar peinte sur le corps. Je voudrais attirer l’attention des membres de ce séminaire sur la peinture corporelle de l’Indien. L’origine de la peinture liée au costume est inconnue. Personne ne peut expliquer exactement ce qu’elle est ni comment cette association a commencé. Je crois que la peinture corporelle des Indiens d’Araguaia d’aujourd’hui est un vestige des anciens vêtements portés par les Indiens eux-mêmes.
Je crois que les éléments qui ont donné naissance à la mode dans le monde se trouvent dans la hiérarchie sociale la plus basse. Ce sont les indigents, les hallucinés, ceux qui errent dans les rues, en haillons, qui donnent naissance aux modes à venir. J’ai signalé ce phénomène en 1955 dans la presse. Nous avons ici deux loqueteux dont la reproduction a été faite par mes soins il y a quelques années. Aujourd’hui, aux États-Unis, des gens comme eux se promènent dans les rues de Los Angeles et de San Francisco, et ce sont les hippies, des éléments qui influencent la mode. Mon observation était une prédiction faite en 1955.
On retrouve ici le phénomène de la Révolution française. Avec des formes droites, parallèles, anti-inondation. Le Directoire utilise également les mêmes formes droites, parallèles et anti-inondation. Une période de tristesse et de deuil social.
Voici une illustration de la queue. En bas, l’impératrice Joséphine avec son énorme queue de 12 mètres et ces animaux sur le côté sont des animaux préhistoriques avec des queues similaires à celle de l’impératrice.
Nous avons maintenant des femmes du XVIIe siècle qui utilisent des formes avec des cryolines, des formes qui sont déjà fécondantes, et plus loin des femmes des années plus récentes qui utilisent des formes parallèles droites, conséquence du sang versé par la Révolution française. Une impératrice du XVe siècle et à côté d’elle une femme avec ses robes droites et parallèles et puis la femme qui a adopté les tenues de la mode espagnole et qui est là, en numéro trois, semble-t-il.
Nous avons ici une femme qui apparaît dans le Directoire, puis une femme portant des bracelets de cheville qui est après la chute de Napoléon Ier et déjà le début de Napoléon III. On remarque que les lignes parallèles ont une longue queue, ce qui est toujours un signe de deuil dans l’histoire.
Ici, nous avons une déesse, Artémis, qui tient une longue queue avec son bras gauche. Et, bien sûr, la déesse Artémis est apparue dans l’iconographie quelque 600 ans avant Jésus-Christ.
On retrouve ici des éléments des mythologies aztèque et égyptienne. Un homme portant une queue. Un élément de la mythologie aztèque portant également une queue. Ce sont des êtres tragiques qui portent des queues : des dieux et des prêtres sanguinaires.
Et puis il y a la mode du ventre proéminent, les femmes qui apparaissent aux XIIIe et XIVe siècles, arborant l’apparence d’une grossesse permanente, avec un chapeau à visière et des manches longues en forme de queue. Ce sont les siècles des grands bouleversements communistes-religieux. Et au loin, un chrétien des catacombes en train de prier. Il porte des formes droites et parallèles. Le chrétien des catacombes est un élément tragique.
Nous avons ici une manifestation de la mode de l’homme en haillons. La mode des tissus coupés qui a atteint l’aristocratie au début du 14e siècle.
Ici, nous avons une reproduction d’un lansquenete à gauche qui est un mercenaire allemand, celui qui a réprimé les révoltes communistes des 12e, 13e et 14e siècles. La mode est née des paysans en haillons et affamés. Au centre, nous voyons un homme de la haute aristocratie, dont la jambe gauche est délibérément déchirée. La déchirure était à la mode à l’époque. Une mode copiée sur l’homme en haillons, malade et miteux qui errait, affamé, dans la forêt. À droite, nous avons une reproduction d’un autre lansquenete avec une grande déchirure volontaire à la jambe droite, ainsi que les tissus coupés de sa veste.
Il y a quelque chose de très intéressant ici : des statuettes de la rivière Araguaia que j’ai collectées parmi les Tapirapés et les Xavantes, représentant des femmes avec une déformation de la jambe qui est manifestement délibérée. Je pense que dans les temps anciens, les femmes avaient cette déformation à dessein, afin de paraître plus fertiles. Il s’agit d’une mode fertile et courbée. Cette déformation se retrouve également en Afrique dans différentes régions.
On trouve des femmes portant des crinolines dans certaines régions d’Afrique. Les hommes qui étaient danseurs portaient également des crinolines aux 14e et 15e siècles.
Nous avons ici une mode qui est apparue juste après le 16e siècle, appelée la mode des lavandières. Les femmes portaient une jupe relevée sur le devant pour imiter les lavandières. C’est un aspect intéressant car les lavandières appartenaient à une hiérarchie sociale inférieure à celle de l’aristocratie qui portait la mode des lavandières.
Il y a maintenant quelque chose de très important dont j’allais parler avant, mais je me suis interrompu et je ne l’ai pas mentionné. Il s’agit de l’origine de la redingote. La redingote est issue de la hiérarchie sociale la plus basse. La redingote est née avec les conquêtes de Louis XIV, avec les invasions de l’Allemagne par les armées de Louis XIV. Louis XIV est toujours à la tête de ses troupes. Il a envahi l’Allemagne et les soldats de Louis XIV ont copié le costume du paysan allemand, qui était un manteau. À gauche, nous avons une représentation d’un manteau sur une statuette de l’Indien Carajá de la rivière Araguaia (collection de l’auteur). Cette figurine est très intéressante, car l’Indien Carajá fait cela sans savoir ce qu’il fait. Peut-être s’agit-il d’une réminiscence d’un ancien vêtement. Mais il semble que les peintures corporelles des Indiens brésiliens d’autres régions renvoient en fait à des vêtements usés et oubliés.
Évolution de la veste. A gauche, nous avons un soldat Louis XV. Ce soldat est un fantassin Louis XV. Il ne pouvait pas marcher avec ce manteau inconfortable qui lui tombait sur les jambes, alors il a pris les extrémités et les a attachées dans le dos pour pouvoir mieux marcher.
Il existe une autre forme de manteau, que vous pouvez voir ci-dessous. Ensuite, nous avons une veste du Directoire.
Voici d’autres vestes. Nous sommes déjà en 1898, sur la droite.
Ici, en revenant en arrière, nous voyons deux éléments habillés de la même manière. Un homme et une femme sumériens habillés de la même façon. C’est l’âge pubertaire de l’humanité. En parlant d’âge pubère, nous voyons que chez les Grecs de l’Antiquité, les hommes et les femmes avaient la même apparence jusqu’à l’âge de 17 ans environ, lorsque l’homme atteignait l’âge de la puberté. L’homme coupait alors ses cheveux, qui étaient aussi longs que ceux de la femme, et les offrait au Dieu de la jeunesse éternelle, qui avait lui aussi les cheveux longs. C’est pourquoi j’ai appelé cela l’âge de la puberté, où l’homme et la femme portent les mêmes vêtements et sont identiques. Aujourd’hui, avec les vêtements unisexes, nous approchons de l’âge pubertaire, une prédiction que j’ai faite en 1951.
Nous avons ici l’usage du pantalon. Beaucoup pensent que le pantalon est originaire de Gaule et qu’il a été découvert par Jules César lors de ses grandes conquêtes. Sur la même diapositive, nous voyons un Grec de 600 ans avant Jésus-Christ qui serait un paysan grec portant un pantalon. Le pantalon n’est donc pas né en Gaule, comme beaucoup le pensent. Les origines du pantalon sont des plus humbles. C’est un vêtement porté par le paysan grec, comme nous le voyons ici, qui est transmis aux soldats, aux guerriers, puis à la cour, à la noblesse et qui se répand dans la noblesse.
Il existe différents types de toges. Il y a une toge qui était portée par les hommes et les femmes en même temps (la toge restreinte), sous le corps nu, et ils marchaient pieds nus dans les rues de Rome, dans les premiers temps de Rome.
Ici, nous voyons, si je ne me trompe pas, en 1856, à droite, vêtue d’un pantalon et d’un très étrange jupon à quatre épaules, tenant un parapluie et fumant un cigare, Mme Bloomard, une féministe. Les mouvements féministes sont très importants dans cette question de l’égalisation des chances entre hommes et femmes et, surtout, de l’égalisation des chances sur le plan vestimentaire. Nous nous dirigeons vers une époque où les vêtements pour hommes et pour femmes se rencontreront. Serait-ce, je le demande, un âge pubertaire ?
Ensuite, il y a les Indiens de Patagonie et d’autres éléments.
Nous sommes en 1908, avec la jupe-culotte. Il y a plusieurs catégories. Il y a toujours un élément taille haute de la même époque. Toutes les catégories de ce type de vêtement ont une forme parallèle droite anti-ondulation.
Ici, nous avons un élément, au centre, portant une jupe-culotte avec des formes droites parallèles anti-fécondantes, ainsi que l’élément de gauche, que tout le monde peut voir, une femme portant une veste, un pantalon, une cravate, etc.
À droite, une femme avec une taille au genou, ce qui est très rare dans l’ethnographie de la mode.
Ici, des éléments de Lignes droites parallèles au centre et un début de crinoline à droite qui appartient au XVIe siècle.
Nous sommes ici au milieu des années 1910. Au centre, la princesse Mary d’Angleterre et à gauche une autre princesse, toutes deux vêtues de formes droites parallèles. Nous sommes à la veille de la Grande Guerre de 1914. La Première Guerre mondiale.
Ici, de nouvelles crinolines, antérieures à la Révolution française. Nous sommes maintenant au Directoire et juste après le Directoire.
Nous avons ici une femme portant un vêtement du Moyen-Âge, clairement et opportunément Parallèle Droit.
Lorsque les formes prennent la forme du droit parallèle, la taille descend juste au-dessous des seins. Et lorsqu’elle prend des formes curvilignes fructueuses, la taille se situe sur les hanches. Ici, nous voyons la taille sur les hanches, avec des formes curvilignes fructueuses. L’image de gauche est celle de la fille du Titien, datant du XVIe siècle.
Nous avons ici une comparaison des premiers hommes, où, naturellement, les hommes et les femmes s’habillaient de la même manière : ils étaient nus, ils étaient chasseurs, ils s’habillaient de la même manière. À côté, nous avons un homme de 6 000 ans avant Jésus-Christ, où l’homme et la femme étaient habillés de la même manière.
Ici, nous avons une femme portant un chiton dorique, un guerrier portant un clamid, une figure égyptienne portant une forme droite parallèle.
Ici, de nouvelles formes droites parallèles, avec des tailles hautes, comme on le voit ici, l’une à côté de l’autre. Ci-dessous, le début de la crinoline, à la fois sur l’homme et, plus bas, sur les femmes avec des crinolines.
Ici, l’homme a des hanches proéminentes, et la femme aussi, au même siècle. À droite, les droites parallèles.
Ici, nous avons des formes fertiles et galbées : l’homme, lui aussi, a une taille fine. Ce sont des hommes de Napoléon III, donc de 1870. Ils représentent la joie de vivre. C’est le début de la belle époque, la première belle époque, où les émotions romantiques sont en vogue. L’homme apparaît avec une taille fine, la même que celle de la femme, des hanches bombées, des seins proéminents. C’est un homme qui se présente avec des formes féminines.
Maintenant, les chapeaux, et je ne vais pas en parler parce que c’est un sujet très long et que je ne veux pas prendre le temps des commentateurs. Le chapeau est très important dans l’histoire du vêtement. Le chapeau est une figuration de l’âme de l’homme. L’homme primitif est celui qui prend le plus soin de son âme. L’âme était dans la tête et elle avait la forme d’un chapeau. Tous ces chapeaux sont des représentations de l’âme.
Là, au centre, un monsieur avec un piège installé au-dessus de sa tête pour empêcher son âme de s’échapper de son corps.
Parlons maintenant des bijoux. Je suis d’avis que les bijoux trouvent leur origine dans les classes sociales les plus humbles, à savoir les prisonniers, les esclaves et ceux qui sont totalement en dessous. Ils portaient des chaînes et des anneaux autour du cou en guise de punition. Nous avons aussi nos esclaves qui portaient ces objets en guise de punition. L’histoire montre que la couronne d’épines elle-même trouve son origine dans la punition. Les prisonniers de guerre portaient des couronnes d’épines, de fer et d’autres métaux.
Ensuite, nous avons des éléments ethnographiques, qui utilisent un piège pour attraper l’âme, c’est-à-dire des anneaux placés au sommet des maisons, ou autour du cou, des oreilles et du nez afin d’empêcher l’âme de s’échapper du corps.
Nous voyons ensuite des images de prisonniers portés, attachés avec des chaînes, ce qui est à l’origine des colliers portés par les dames de la société actuelle.
Ensuite, nous avons une figure égyptienne d’une femme attachée par les pieds pour l’empêcher de bouger, parce que son amant ou son mari ne voulait pas qu’elle fréquente d’autres hommes. Elle était attachée par de lourds anneaux aux pieds pour l’empêcher de s’échapper. Vous trouverez ci-dessous différents types d’anneaux portés par les prisonniers et les esclaves.
Nous avons maintenant la couronne. La couronne d’épines. C’était un légume qui est devenu un objet de punition. La couronne d’épines du Christ était en fait un instrument de punition et est devenue une sorte de punition pour les prisonniers qui portaient une couronne de fer avec des épines de fer et avaient la tête ensanglantée, puis elle est devenue un culte religieux.
Maintenant, deux mots sur le costume actuel et le costume adapté aux tropiques. Mon intention de concevoir un costume adapté aux tropiques n’était qu’un besoin de modifier les vêtements, mais c’était aussi un pronostic, un pronostic fait il y a 11 ans, d’événements qui commencent aujourd’hui. Ces événements sont très importants car ils démontrent l’existence d’un nivellement entre les hommes et les femmes en matière d’habillement, que nous sommes susceptibles de voir à l’avenir.
Le vêtement que j’ai inventé avait des valves dans la veste, de sorte que le mouvement des bras permettait de renouveler l’air entre le tissu et le corps, tandis que le mouvement des jambes permettait de renouveler l’air entre le jupon et le corps.
J’ai essayé d’inventer un vêtement correspondant à ce que l’on appelle le smoking. Le collier autour du cou n’est qu’un substitut du collier. Il peut être porté ou non, mais il ne contraint pas, ne gêne pas le cou et n’empêche pas la circulation. Il a une fonction psychologique, comme point d’appui, pour compenser son infériorité lorsqu’il se déplace. Pour mes jambes, j’ai mis un bas de pêcheur tricoté, que l’on appelle aujourd’hui bas de pêcheur tricoté et qui était en fait un bas de ballerine, que j’ai acheté dans un magasin qui vend des articles de ballerine. Le but du bas de pêcheur était de cacher les varices que certaines personnes ont. La sandale est une sandale ordinaire. Je n’ai pas pu perfectionner la sandale ou en concevoir une nouvelle.
Il n’y avait pas de tissus appropriés à l’époque. Avec les tissus d’aujourd’hui, la ventilation serait presque parfaite. Ce modèle est pour ainsi dire un pré-modèle.
La veste est ouverte en bas, ce qui permet à l’air de circuler. L’air chaud monte et sort par le cou.